Erinnerungen im Ohr ist ein Stück über Hörwahrnehmungen von Folteropfern. Ein Konglomerat von auditiven Traumata. Die Instrumente schlüpfen in dramaturgisch konzipierte Rollen, wie Personen, und werden in sprechendem Gestus behandelt. Die Posaune, die aus eigenen physikalischen Kräften Zusatzinstrumente zum Klingen bringt oder durch diese Klangveränderungen erfährt, eröffnet dadurch Assoziations-, Kontemplations- und Schreckensräume.
Man könnte sagen, die drei Stücke sind eine Art instrumentale Oper. Erinnerungen im Ohr setzt den Schlusspunkt hinter die Auseinandersetzung mit der Oper Der Tod und das Mädchen.

I. In der Dunkelheit
Das monologisierende „Ich“ (Posaune) ist allein in einer absolut finstern Zelle. Die unbestimmte Situation treibt dieses „Ich“ in einen innern Selbstgesprächs-Monolog. Frage an Frage reiht sich aneinander, und jede vermeintliche Antwort ist mit einer konkreten Hör-Erinnerung konnotiert. Dieses innere Hören ruft Erlebtes wach, das durch das die Posaune umgebende Instrumentarium erinnernd Gestalt annimmt. Manchmal glaubt das „Ich“ Schritte, Stimmen, Geräusche zu hören. Sind sie real oder Phantasmen im innern Ohr? Eine zitternde, weinende Stimme (Saxophon) glaubt das „Ich“ zu erkennen . . . ist es die Stimme seiner Frau...? - - - Ein plötzliches, gewaltsames Herausreissen aus der Dunkelheit in das schmerzende grelle Licht beendet diesen innern Monolog abrupt.

II Der Irre
Das „Ich“ (Violoncello) bekommt nach langer Zeit – unter Aufsicht – wieder einmal etwas zu essen. Diese Oase von Lust und Sinnlichkeit im Elend wird durch den Auftritt des Irren (Posaune) brutal zerstört. Schreiend, sich in Wut steigernd, macht der Irre dem „Ich“ klar, dass unter ihm alle „singen“ werden, auch es. Das „Ich“ wird herausgezerrt – die Tortur beginnt . . . . .

III. los Companeros
In drei benachbarten Zellen versuchen sechs Inhaftierte gegenseitig Kontakt aufzunehmen. Nummer eins (Violoncello) und Nummer zwei (Bassklarinette) nehmen mit dem Neuankömmling Nummer sechs (Posaune) Kontakt auf. Dieser antiphonische, deklamatorisch geprägte Austausch findet an der Grenze des Hörbaren statt. Als Überlebensstrategie wiederholt Nummer vier (Flöte) in der Art einer Litanei lieb gewonnene Floskeln eines Gedichtes in einer Art „Sprachklang“; eben so versucht Nummer fünf (Trompete) mit einem Gebet den Sinn des Sinnlosen zu begreifen. Nummer drei (Saxophon) flüchtet sich in die optimistische Melodik von Volksliedern. In einer brutalen Intervention wird Nummer drei aus der Zelle gerissen. Die Lieder verstummen – ein Moment herrscht atemlose Stille – danach wird nur noch geflüstert - - -

AKZ
2012

Für Alt und Klavier
nach Texten von Else Lasker Schüler und einem Hebräischen Gebet.

Die Gedichte von Else Lasker Schüler kreisen thematisch um den Tod ihrer Mutter, um die Erfahrung dieses Verlustes, die Art und Weise und die Fähigkeit damit umzugehen.

Der eigentliche Vorgang während des Stückverlaufs ist die Reversibilität Tod – Leben; es vollzieht sich ein symbolischer Tausch. Innerhalb dieses Vollzugs formt sich das Stück immer wieder zu Teilen einer Skulptur und erreicht im Epilog die integrale skulpturale Form: eine in Stille, Gestik und mimische Artikulation umgestaltete, Klang suggerierende, hörbare Plastik. Durch sie wird eine höchst mögliche Stufe an Innerlichkeit angestrebt.

Zwischen den Gedichten ist das Nachtgebet in Hebräischer Sprache eingeflochten. Nach anfänglich bruchstückhaften Gebetsausbrüchen wird das Abendgebet in diskontinuitiv erscheinenden Teilabschnitten zwischen den Versen des vierten Gedichtes in seiner Vollständigkeit eingeflochten.

Die im Epilog verstummende Skulptur strahlt schweigende Bilder aus und versetzt verinnerlichte Klänge in Resonanz. Die Reversibilität Tod – Leben, der Akt des symbolischen Tauschs darf nicht unterbrochen werden - - die Nachtwache dauert fort .....

Es brennt eine Kerze auf meinem Tisch
Für meine Mutter die ganze Nacht –
Für meine Mutter...

Mein Herz brennt unter dem Schulterblatt
Die ganze Nacht
Für meine Mutter....

A.K.Z.
2008/2017

für Mezzosopran und Solisten-Ensemble, nach Texten von Samuel Beckett

Mezzosopran (Mundpfeife, Lockrufpfeife, Seidenpapier)

Flöte (auch Alt-Flöte und Piccolo)
Oboe
Klarinette in B (auch Bassklarinette)
Posaune (Becken, Alu-Backfolie)
Akkordeon
Violine

Die Mirlitonnades von Samuel Beckett sind Mini-Zeilen, in denen die Thematik des Verschwindens und des andauernden Aufhaltens am Rande des Nichts allgegenwärtig ist. Es sind lakonische Slapsticks, trickreich, stolpernd, von leichter Melancholie bis hin zu tiefschwarzem Humor.

Im Kontext der Musik sind Mirlitons Instrumente, die die menschliche Stimme durch ein Membran verändern. Dieser Vorgang ist Teil des kompositorischen Konzepts. Die menschliche Stimme tritt in Berührung mit gespanntem Papier oder Membranen aus andersartigen Materialien. Auch das gleichzeitige Singen und spielen von Mundflöte oder Mundpfeife amalgieren sich zu einem Mirliton .Der Vorgang des Veränderns und Verzerrens wird auch am Instrumentarium mittels verschiedenen Hilfsmaterialien angewendet. (Klarinette, Posaune, Violine, Trichtervioline)

Diese Mirlitons erzeugen sich aus der allgegenwärtigen Thematik des Verschwindens und aus dem von Verschwinden zu Verschwinden bleibenden Rest.

A.K.Z.
2007

für Mezzosopran und Klavier

Im Einakter Eine Scheidelinie wird weiter hinausgezogen (2000/01) nach Nelly Sachs entdeckte ich die Bedeutung eines autonomen musikalischen Materials, also eines Materials, das selbst eine immanente Grösse im dramaturgischen Verlauf darstellt.

In Landschaft aus Schreien, diesem bedeutenden Gedicht von Nelly Sachs, liegt das immanente Material im Schrei verborgen, in vielfältigsten Varianten, insbesondere auch in erstickenden Gestaltungsformen der Implosion. Der hochexpressive Text mit seinen teilweise zerstörerischen Elementen treibt die Ausdrucksmöglichkeiten der Stimme und des Instruments den Rand der Erschöpfung. Diese Erschöpfung – eine Art Zusammenbruch – führt in eine Phase des Loslassens. Der Zustand des Nichts wird erreicht, was in Nelly Sachs Denken soviel wie „Sehnsucht nach etwas“ heisst. Ab diesem dramaturgisch bedeutenden Wendepunkt nimmt die Musik sakrale Formen an und baut eine religiöse und mystische Aura auf. Trauer und Versöhnung über das Geschehene und die Sehnsucht nach etwas tun sich kund. – Das Stück endet mit einem sich öffnenden Vokalklang – das Alphabet formiert sich neu – Wiederbeginn ist angesagt.

A.K.Z.
2003/2017